Louvor e Glorificação do Espírito Português

De volta ao activo. Aqui está um pequeno filme, reflexão destes nossos dias gloriosos.

A infância entre rios e mares.

Ver o filme Where the wild thing are, foi para mim revisitar locais antigos. Nem sei se são locais que vivi, experimentei ou sonhei. Este é um filme que se atreve a sonhar, não como um adulto imagina uma criança, mas atreve-se a ser criança e a sonhar como uma.
É uma narrativa livre, livre daquelas estruturas que, quando se trata de um filme de aventuras infantis, faz com que os protagonistas passem por obstáculos como se de níveis de jogos se tratassem.
É um filme que habita e nos leva a habitar aquele local, o sítio dos monstros.
É voltar a experimentar a condição de ser criança, não como o sítio maravilhoso da infância inocente, mas o desafio constante que representa ser criança e estar perante um mundo que nem sempre a compreende e que nem sempre é compreendido. Crianças com fúrias, birras, ternura, amor. Crianças que magoam e que curam, que odeiam e ajudam. No fundo, tudo aquilo que todos nós (ou quase) passámos enquanto uma.
É raro ver um filme que se preocupa e procura essa condição, um estado puro de criança.
É um filme em corrida, em constante agitação, em procura. Daí os inúmeros travellings que acompanham o protagonista, daí a camara entrar em todos os locais, partilhar esse privilégio de estar nos cantinhos escuros, nos locais secretos. A descobrir, tal como Max (o protagonista) esses estados de alma, e partilhar da sua agitação e ser ela mesma uma criança que cria e descobre este mundo.



Este é um sítio de monstros povoado de imagens reconhecidas, como sonhos seguimos percursos que outras crianças já seguiram. Penso no Calvin & Hobbes, naquela enorme desproporção entre a criança e o amigo, mas simultaneamente na sua pose descontraída de dois grandes e íntimos amigos. E surge-me na memória a perseguição da Noite do Caçador, quando o monstro (Robert Mitchum) persegue as crianças rio abaixo. Enquanto fogem, são sempre protegidas pelas criaturas da noite, até que finalmente, levadas pelo rio chegam a um porto seguro. Também Max, faz uma viagem de barco, pelo mar, que o leva ao destino mais desejado, a um local de pertença. Curiosa inversão, pois enquanto as crianças da Noite do Caçador fogem do monstro (o papão), Max vai para a sua terra, tornar-se o rei deles. Ambos os filmes partilham este estatuto de filme único, de visão pura e inadulterada. Partilham também esse estado puro de medo, de birra, de ser criança. Povoados dessas imagens de infância que ocupam os imaginários. Cheios do mistério, da magia, os locais secretos, as caves, os esconderijos, os interiores e lugares seguros, os desejos, as fúrias e as ânsias reprimidas.



Por esses rios e mares, eles revisitam, mostram um estar primitivo, uma pulsão que bate em todos nós. Nesses rituais de nascimento e morte e voltar a nascer mostram os mistérios e contradições da infância, a sua crueldade e o seu maravilhoso. São filmes cujas imagens nos habitam como se de uma memória se tratasse, e poucos são os filmes com esses recantos secretos.

A casa do Surdo?!

Where the wild things are

Musgo

De volta

Depois de um grande interregno, volto à actividade de Blogger. Espero que agora consiga manter o ritmo semanal

À melhor Mamã do Mundo

Suspenso

A única fábrica de lápis do País

Linha e fuga

De mãos dadas

O Grafitti

Apresento uma nova série de animações que estou a criar para a Net.

Raizes

Liberdade...

A Montra

O que é feito do Bairro Alto?

Afundar

Gangs of New York e Kundun - Os Sonhos políticos de Martin Scorsese

Gangs Of New York e Kundun são dois filmes muito distintos entre eles e mesmo na carreira de Martin Scorsese. São para mim dois lados de uma mesma moeda. Como uma fantasia politica sobre géneses, países, pessoas e morte.
Kundun é, em primeiro lugar, um relato dos primeiros anos de vida do Dalai Lama. Simultaneamente uma biografia e um filme religioso. Trata-se da descoberta do 14º Dalai Lama, um homem santo, reencarnação do 13º. É um filme que lida com uma religião e um maravilhoso, em grande parte distante de Martin Scorsese, essa distância é utilizada para reforçar ainda mais o lado etéreo e maravilhoso do filme. Utiliza o personagem do Dalai Lama e as perplexidades próprias de uma criança a quem é atribuído o papel mais importante de um país e de uma religião, para nos mostrar esse mundo.



O olhar infantil é essencial, como um sonho, acontecimentos desenrolam-se. Uma inevitável corrente, muito fiel aos princípios tibetanos de que a vida está em constante mutação. Pé ante pé, vamos saindo do pequeno universo do Dalai Lama para a realidade do país Tibete, da II Guerra Mundial e da ascensão de Mao Tsé-Tung e subsequente invasão.
O que começa como um sonho maravilhoso… o nascimento de um homem santo, transforma-se num sonho de morte… Em que a pessoa do Dalai Lama, como líder religioso e político de um país, não só passa a ser o seu representante, como em consequência do seu exílio passa ele próprio a ser o país. O filme partilha a não-violência por ele defendida, e é extraordinariamente contido na representação da mesma, quase como uma expiação do próprio Scorsese (ele que é um mestre da violência), mas é essa aparente não-violência que o torna mais forte, mais explícito e consequentemente mais político. Quando, o Dalai Lama ainda pretende uma resistência passiva a um invasor que não olha a meios, é nos seus sonhos que encontra a resposta. Num plano extraordinário, a câmara começa no Dalai Lama e sobe, sobe, revelando o chão coberto de monges mortos. Este é o seu país, esta a sua herança. É simultaneamente o horror e a constatação de que ele é o país e enquanto ele existir o Tibete existirá… daí o exílio. Assim o sonho do início do filme, não é apenas um sonho passado, mas o desejo de um futuro.
Como o vento que arrasta a neve no topo da montanha, ou a corrente de um rio, assim é o filme de Scorsese…

“Lembro-me de tudo como se fosse um sonho” – é assim que começa a voz-off da personagem de Leonardo DiCaprio em Gangs of New York. E também este filme se apresenta como um sonho, uma fantasia sobre a criação de uma cidade, um país, uma democracia. É um filme sujo, violento, com uma montagem vibrante, sincopada, disruptivo, com histórias a surgir por todo o lado. Mais do que sonho é como o pesadelo da Democracia.



São os dois filmes de Martin Scorsese em que o sonho está mais presente, quer como referência directa, quer no próprio estilo. Curiosamente, não são sonhos individuais, são espelhos colectivos, políticos e que mostram todas as incertezas dos nossos tempos. Aquele que aborda o nascimento de uma democracia, vive na violência, na incerteza, até formal do próprio filme. Kundun é um filme que vive uma, ou talvez, várias certezas, a certeza do exílio e da violência a que foi sujeito todo o povo do Tibete. É por isso formalmente um filme mais calmo….
Olho para estes filmes e eles completam-se, reflectem o ser humano em toda a sua contradição individual e política… pensam cada pessoa não só como indivíduos mas inseridas no seu meio e como resposta e consequência do mesmo. E esse meio está sempre a manifestar-se sendo por isso impossível para cada pessoa não ser política. Porque todos os gestos são políticos, os filmes são políticos e até os sonhos são políticos.

Exposição Virtual

Aqui está um excerto da Exposição Virtual sobre a obra de Jose Nuno da Camara Pereira.

Colombo

No quarto da filha, parte II

Fixação

E fuga

Allegro

Exposed

Filme final do 8 week workshop da New York Film Academy, dezembro 2002. Esteve em competição no Festival de Avanca de 2003.

Em Praga

Gangs of New York - The Blood stays on the blade

Gangs of New York, está longe de ser um filme consensual. Despertou muitas indiferenças e muita falta de compreensão. É sem dúvida um filme anti-climático, com um cem número de histórias a acontecer a todo o momento. Para mim foi uma enorme descoberta, um filme que me deixou sem respiração. É como um tratado visual, em que em cada plano conseguimos encontrar uma história e a história do filme:
É ver as ruas cheias de pessoas de todas as origens, em que as musicas se fundem. É ver a sede do partido, em que Bill (Daniel Day-Lewis) discute com o líder do partido, numa sala cheia de gaiolas de pássaros, que mostram a prisão de luxo em que esse líder vive. Ou todos os planos com a bandeira americana.





Longe das paisagens míticas do oeste, Scorsese construiu o Eastern. Género de um filme só, mas cujos códigos são os mesmos do Oeste. Nele vemos o herói que se quer vingar, a heroína que o ama e o vilão que é a alternativa à lei. A aparente simplicidade de propósitos dos protagonistas (e a sua linearidade) são um choque com tudo o que acontece à sua volta e servem o propósito de realçar essa América que está a nascer.
No inicio o Priest Vallon (Liam Neeson) diz para o seu filho (Leonardo DiCaprio) - The blood stays on the blade.
Esse é todo o propósito do filme, mostra que a cidade não é feita de prédios e ruas, mas de camadas e camadas de sangue e corpos que a revestem… essa é a sua memória, é aí que se encontram as suas histórias. O massacre no final do filme é a ilustração visual dessa cidade/país lamina, com o sangue a cobrir as ruas. A sua iconografia é a do esventramento, das lâminas, do sangue. Uma América espectáculo, assistimos a teatros, musicas, circo, a politica, o boxe, os sacrifícios públicos e mesmo um assassinato… Aliás esse é um momento brilhante de distanciamento irónico – Bill mata Monk (Brendan Gleeson) com a sua própria moca, após o qual vira-se para nós, o seu publico, e faz uma vénia, acabando o plano com aplausos que colam com a sequência seguinte. Nesse momento, funde-se a violência e o espectáculo e é como se a narrativa parasse e Bill nos confrontasse directamente com o seu acto, obrigando-nos a partilhar e aplaudir.



Cada plano é como uma nódoa de sangue que forma todo o filme, cada pedaço fundamental para essa tapeçaria. No final, fica apenas a impressão de termos assistido ao enorme caldeirão contraditório e primitivo, à civilização antes dela existir. Por isso, o excesso, a teatralização e os rituais de violência.
Mas o que acontece aos protagonistas que nos levam por este turbilhão de acontecimentos?... eles mesmos são esmagados por forças maiores. A História (com H ) sobrepõe-se, e no momento do ajuste final, a cidade engole-os, e percebemos, tal como o protagonista, o pequeno que ele é. Apenas mais uma gota nesse enorme oceano vermelho.

Imersão

Escrito na parede

Contos da Lua Vaga - Sonhos e Fantasmas

Existe nos filmes de Mizoguchi uma força de realidade, como se estivéssemos a olhar através de uma janela para algo que está mesmo a acontecer. Talvez seja pela sua mise-en-cene, os seus longos planos médios, pela beleza dos cenários.
Quando imersos nessa realidade, surge o fantástico, ele é real, e ambos se fundem. Ele é tão concreto e simultaneamente etéreo. Esse é o maravilhoso dos Contos da Lua Vaga.
É um registo de um sonho que o filme adopta, um sonho feito de desejos por concretizar e das terríveis consequências que eles trazem. A procura dos desejos leva-nos ao fundo de nós mesmos e lá encontramos o que realmente importa. Mas para um dos protagonistas apenas sobram resquícios de uma vida que pode querer reconstruir com a mulher. O outro, entrou no reino dos fantasmas e só enquanto fantasma poderá concretizar os seus desejos. Assim foge do desejo de uma fantasma, para encontrar, apenas como sonho, aquilo que mais quer – reunir-se com a sua família.
É a naturalidade do registo que o torna tão comovente e tão onírico. Porque o que são os fantasmas senão a manifestação visível daquilo que já não conseguimos ter, e onde mais do que no cinema é possível visitar tais fantasmas.
Os contos da Lua Vaga é um filme imenso que povoa os meus sonhos. O seu plano final é um doloroso e lindíssimo olhar para a família finalmente reunida. Simples, desarmante e arrasador. Só por ele vale a pena visitar vezes sem conta estes contos.

Nuvens sobre o Pico

Nuvens sobre a Serra da Estrela

Homenagem a Rui Pinto

Em Março de 2007, estava eu desempregado, o Rui Pinto, apostou em mim para o seu novo projecto editorial.
Directo, frontal e sem papas na língua, nesse ano tive várias conversas com ele. Explicou-me o que era preciso para vingar no meio, e falou-me do que era ter filhos e cuidar deles. Na altura a minha filha tinha 5 meses. Para mim foram conversas importantes de alguém com experiência no meio e na vida, foram partilhas que guardei.

Mas foi durante este último ano, que a sua vida me serviu de lição. Continuou sempre a trabalhar, a arranjar-me trabalhos. Sempre que falei com ele, era um homem firme, imparável.

Estarei sempre agradecido ás oportunidades que me deu. Ajudou-me a encontrar o meu caminho. O seu exemplo é uma lição de força e de honestidade num meio e numa vida em que nem sempre encontramos tais exemplos.

Resta-me, como homenagem, presentear-lhe com uma fotografia. Uma das muitas que fiz enquanto trabalhei para ele.

Descanso

Nesta coisa das memórias, fica aqui uma imagem de uma vivência que se encontra bem viva. De uma liberdade que deixo que me habite por dentro, para que se possa reflectir cá fora.

Valsa com Bashir – Iluminação individual, esquecimento colectivo

Valsa com Bashir, documentário de animação realizado por Ari Folman retrata a procura que o mesmo faz para se relembrar da sua participação da invasão israelita do Líbano em 1982.

O filme começa com um sonho e é através de sonhos e visões que nos leva aos terrores da guerra e de uma invasão. Passa muito subtilmente da procura individual de alguém que reprimiu uma memória, por ser demasiado dolorosa, para a brutal evidência de um massacre esquecido por todos. Quer fossem os soldados israelitas que lá estavam na altura, quer politicamente pelas acções tomadas, quer individualmente.

A memória é uma matéria fluida, que permite que as coisas ganhem contornos pouco claros, de sonhos. Compreende-se a opção estética de fazer uma animação, assim, é possível navegar entre os horrores da guerra, as visões e as memórias, assim Ari Folman conduz-nos para uma realidade ainda mais inquietante que nos move através da nossa própria memória e dos nossos remorsos. Quão doloroso é olhar para trás e ser confrontado com aquilo que já não nos escapa?

Quão doloroso será para Ari Folman olhar para trás, tendo em si, a memória do holocausto, ver-se colocado no papel de alguém que passivamente deixou que um outro holocausto se instalasse?

Como é que se pode agir sobre o que já passou?

Macau - 13 anos atrás (parte II)

Macau - 13 anos atrás

Tiananmen - 13 anos atrás

No quarto da Filha

The Changeling

Neste filme Clint Eastwood, retrata a saga de uma mulher cujo filho desapareceu e a polícia substituiu por um outro.

É um impressionante retrato da condição feminina, de como tem que lutar não só contra o sistema, mas contra todo um modo de pensar e olhar para as mulheres.
Mesmo nos olhares masculinos mais compreensivos se nota uma certa condescendência, e a necessidade desse apoio masculino para conseguir ultrapassar forças corruptas que parecem inultrapassáveis.

Mas o que mais me impressionou neste filme é a forma como retrata a determinação de uma mãe. A força na sua procura e a recusa da morte do filho. Encontrar no mais pequeno gesto sinal de esperança para retomar uma ordem que há muito foi destruída. As provações que passa, as victórias que consegue são apenas passos, situações que não mudam aquilo que ela mais quer: encontrar o filho, ou pelo menos, saber com a certeza absoluta o que lhe aconteceu.

Mesmo quando, durante o filme, já quase temos a certeza do seu destino, ela prossegue, porque é assim que tem que ser. A sua força, a sua determinação fazem com que tudo o resto passe, ficando no centro a procura.
Clint Eastwood mostra-nos a série de situações que Christine Collins (interpretada por Angelina Jolie) passa como etapas, que não resolvem a sua busca. Por isso é que o filme não acaba nas victórias, não acaba em celebração, porque, tal como a vida, passados os momentos de euforia, tudo volta ao normal, e para Christine Collins, o normal, aquilo que lhe dá força é não desistir de procurar. As imagens que nos ficam são as de uma mãe, sózinha no quarto, a tentar perceber o que aconteceu ao filho.

Surrealismo

Coloco um video feito no já longínquo ano de 2003.

Fazia parte de uma peça de teatro em que participei e é um dos videos que estou a colocar no youtube canal PPorfiriofilmes (para os interessados).

O meu ShowReel

Neste filme mostro os trabalhos que fiz de 2002 até hoje

Paisagens

Portfolio Picasa

Acabei de colocar as minhas primeiras fotos no PICASA.

Quem quiser ver uma amostra, já significativa, do meu trabalho pode espreitar em:

http://picasaweb.google.com/pporfiriofilmes

Início

Depois de ter criado este espaço, está agora na altura de o começar a preencher.

Vai ser este ano, espero, que a actividade bloggista se torne mais regular.

Tenho muitos planos e mesmo que não consiga escrever muito, espero ir preenchendo este espaço com fotos e vídeos.

Vamos ver.